构图和审美的基本功 探讨小景抽象作品

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为什么喜欢抽象风光作品？
　　风光摄影作品中有各种各样的超广大场景、中长焦场景片子，而且很多时候，在拍摄这些片子前都有着不同程度的预想和计划过程。作为摄影师，我们头脑中有着各种各样的想法，有时我们想要拍摄脑海中某个确切镜头和场景。这种预视/预想化似乎对我们摄影师来说是家常便饭，自然而然的事，而且很难避免。这其实也不是一件坏事，我有不少作品都是拍摄前做大量功课并且在脑海中预先想象的，预视/预想化对于一张作品的成功有着巨大贡献。
　　然而，这并不一定是创造成功摄影作品的唯一方法，有时甚至一些优秀的影像可能完全来自于即兴拍摄，而无需任何预想和预视觉化。抽象风光作品很多时候就是完全来自于即兴拍摄，来自于对细节的细心观察，这种近乎于惊喜式的拍摄使这些抽象作品更具魅力，因为你永远不知道你会拍到什么抽象作品。

《Insanity Net》
　　在加拿大路边无意中发现的一处树林，我被这密密麻麻互相交错烧焦的树干所吸引。自然界存在很多这种看似混乱但实则有序的特质。
　　拍摄抽象作品的手法多种多样，有单纯的模糊、混合、微观镜头拍摄、长曝光、多个曝光合成等等都可以创造出一张抽象的风光作品。不管你用任何方式，抽象作品都需要一定的点、线、颜色和韵律这几个基本元素。作为摄影师，我们学习了各种构图方式和前后期拍摄技巧，很多时候这些东西形成了一定的“限制”，限制了我们的想象力。之所以喜欢这些抽象风光摄影作品的原因是因为它给了我一定程度的自由和自发性。这些作品很大程度使我努力地追求着创造力、想象力、原创性以及关注自我个人表达。

《Veins》
　　此外，我喜欢抽象风光作品的原因是因为它能给予拍摄者当下感觉的完整捕捉，很多时候拍摄抽象风光作品是跟随自我直觉和感觉来拍摄，并没有想太多其他技术上的东西。同时它也能给予观众很大程度想象的空间，让观众去感受和想象画面以外的东西，我觉得这点是其他类型的风光摄影作品给予不了太多的。
　　要充分理解和赏析抽象作品，在此不得不先聊一下关于抽象画以及抽象图片的起源

抽象艺术起源
　　抽象艺术是非具象艺术，它缺乏详细描绘，更多是表现情绪情感。“抽象”这个词，拉丁文是abstractio，意思是排除和抽出。同时也是个动词，就是把事物的“内在灵魂”从表象中抽离出来并呈现给观众，我想这也是是抽象艺术表现的核心。人们对于抽象艺术看法其实是蛮矛盾的，很多人觉得不好看也看不懂，但也有不少人觉得抽象艺术是人类艺术最伟大的成就之一。

最早的抽象艺术画
　　最早的抽象艺术作品是1910年前后由俄裔法国热抽象代表画家，艺术理论家Wassily Wasilyevich Kandinsky（瓦西里·康定斯基 1866~1944）画出来，到至今也才一百年有余，充满争议和矛盾是很正常的。
　　宽泛地说，现代抽象艺术包含两大类型：第一类是从自然物象出发的抽象，形成与自然物象保持有一定联系的抽象艺术形象；第二类是不以自然物象为基础的抽象，创作纯粹的形式构成，狭义的抽象艺术。它否定描绘具体物象，也不以自然物象为基础，仅以基本的绘画语言和形式因素创作纯粹的抽象绘画，借以表达某种情绪、意念等精神内容或美感体验。而抽象画中也分为两大类别，热抽象（抒情抽象）和冷抽象（几何抽象）。

热抽象（抒情抽象派）
　　热抽象，从艺术形象上看是点、线、形、颜色之间无规律地组合，或随意挥洒构成的作品。画面造型偏于繁复和杂乱，色彩起着重要作用，此外还有较为强烈的运动感。画面表达的情感热烈、躁动、和不安定。代表性画家：瓦西里·康定斯基 1866~1944，康定斯基更重视色彩的作用，认为色彩如同音响，其声音是非常明确的，可以影响人的情感与精神。

Composition IV（1911）

Wassily Wasilyevich Kandinsky（瓦西里·康定斯基）

Composition VII（1913）Wassily Wasilyevich Kandinsky（瓦西里·康定斯基）

冷抽象（几何抽象派）
　　冷抽象不受主观感情和表象制约，从形式结构出发，以几何图形的结构取得艺术形式的纯粹美的价值。其绘画从形象上看趋于简单化、单纯、大色块、几何形状、具有规律和现代和谐感。代表画家：彼埃·蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian 1872-1944）

Composition with Red Blue and Yellow 1930

Composition A 1923
　　蒙德里安定型后的作品严格地只用红、黄、蓝三色以及黑色、白色，图形的边缘也都是直线，也有人称之为“格子画”。《红、蓝、黄构图》是极具活力的作品，色彩的张力使这些绝妙的图形显得紧密，粗细不等的黑色边界线包含着完美的平衡。蒙德里安认为垂直线和平行线组成的几何形体是艺术形式最基本的要素，他希望用这些基本要素，用纯粹的色彩，创造出表里平衡，物质与精神平衡的艺术世界。
　　至于抽象摄影，最早可以追溯到在十九世纪初，将物件放置在感光材料上进行曝光，产生出随意形状的抽象的黑白倒转剪影影像。但是，这种初期的物理照片的抽象性并未被人们承认是一种艺术表现方式。而大众认为最初有目的并具有抽象性的照片是由阿尔文·兰登·科伯恩（Alvin Langdon Coburn 1882-1966）于1912年创作。至此开始，抽象摄影不断发展直到今时，而抽象摄影和抽象画之间的界限也越来越模糊。

vortographs阿尔文·兰登·科伯恩 Alvin Langdon Coburn

回到抽象风光摄影作品
　　其实在现实大自然中，抽象原素无所不在。

《Golden Time》可以是水纹、晃动的光线倒影

《Mutant》也可以是变异的投影，利用光线的明暗

《Color Pieces》也可以是树皮的色彩斑驳

《Wave》也可以是地貌的色彩和纹理
　　所有能够隐去原来物象面貌的局部和细节，都可以构成抽象图案，当摄影发现并有目的地选择画面后，这些由光与影、明与暗、点和线、块面和构成、色彩和肌理所组成的画面，就是抽象风光摄影作品。
　　所有的抽象摄影作品在点、线、形状、颜色、色调影调、纹理等方面多少都有些特征，有的注重纹理，有的注重颜色，还有的注重物体的形状。这些都是抽取事物的本质并且融合自己个人感觉。所以在拍摄这些抽象摄影作品时，对所拍摄物的运动模式、整体画面平衡感，画中元素的统一或变异，视觉上的重心，明暗对比度，维度和空间感都需要有一定的思考和跟随自己的直觉。
　　正如抽象画一样，个人认为也可以把抽象风光摄影分成两部分。

1。无规律抽象

　　此类别更像是抽象画中的热抽象（抒情抽象），如之前所说，抒情抽象并不注重于规律，更多像是随意构成的作品，但同时也有其重点，重点可以在于颜色以及某几个聚焦处。

2。有规律抽象
　　如抽象画中的冷抽象（几何抽象），此类别图片有规律可循，色块和颜色在画面上的分布都经过精心安排。对于画面几何图案的形式和结构有着较为严谨的追求，非常讲究规律化和平衡感。

《Puzzle》

《Blue Bubbles》

尝试多样化构图
　　此外在拍摄抽象图片的时候，尤其拍摄同一个景物时候，也有千变万化的构图，所以不妨尝试多几种构图和寻找特点去拍摄，锻炼自己的观察能力。

　　同样是冰面上的冰晶，可以有4种不同的几何图案和排列规律。每种都有各自的特点和不一样的感觉。
　　抽象摄影作品十分有趣，有时候，我们应该偶尔停一停去追求心目中完美的风光场景画面，用心感受和跟随自己的直觉去拍摄抽象作品，将自己的情绪宣泄在这些抽象作品上。我相信练习拍摄抽象作品，你能慢慢品味到抽象摄影作品的个中乐趣，同时能使你成为更全面的风光摄影师。